¿En qué consiste?
La biomecánica teatral, o método del actor biomecánico es un método formativo desarrollado por Vsévolod Meyerhold a partir de 1922 cuyo propósito es incrementar el potencial emocional de una obra de teatro y expresar pensamientos e ideas no fácilmente representadas con el naturalismo de su época. Se desarrolló durante el apogeo del realismo socialista en Rusia y se considera precursora del teatro físico. Su éxito jugó un papel fundamental en el “entrenamiento físico del currículum de toda escuela soviética de arte dramático”, y aún se considera importante especialmente para números de danza y musicales. A pesar de la falta de escenario en muchas obras de Meyerhold, “si el actor queda en un escenario descubierto, la grandeza de teatro sigue en él”. La biomecánica teatral parte del adiestramiento que un actor debe cumplir a diario para aprender y mantener la técnica y llegar a la sistemática resolución de cada necesidad escénica. Como en cada obra de arte, la teatral necesita reglas "científicas" y tangibles de las cuales el actor deberá partir para rendirse creativo.
TÉCNICAS
Partía de las experiencias y dinámicas llevadas a cabo en su “Studio”, donde formaba a jóvenes actores. Para él, “todo el cuerpo participa en cada uno de nuestros movimientos”; teniendo en cuenta que a su parecer el trabajo del actor es la creación de formas plásticas en el espacio, debe estudiar y ser un perfecto conocedor de la mecánica de su propio cuerpo, pues cualquier manifestación de fuerza está sujeta a las mismas leyes del movimiento y la interpretación del actor no es otra cosa que una manifestación de fuerza del cuerpo humano.
Para Meyerhold la biomecánica era como un juego de deporte y del ritmo de la danza: equilibrio y movimiento, todo conjugado de un modo ordenado y consciente, con una formulación rigurosa y orgánica. Pues esto sirve al actor como medio de expresión de un personaje.
Meyerhold creó un método de ejercicios de entrenamiento de actores, que es un medio tanto para el entrenamiento físico como para el conocimiento de sí mismo. La naturaleza del actor debe ser especialmente apta para responder a los reflejos, reproducir los movimientos, el sentimiento y la palabra, una tarea propuesta desde el exterior.
En sus clases se incluyen dinámicas de ejercicios corporales bajo el principio “eximproviso, el cuerpo humano en el espacio, el gesto como un embate-llevado a la vida como un simple movimiento del cuerpo” movimientos en círculo, en cuadrado, en triangulo, movimientos en exteriores e interiores, por ejemplo rutinas de obreros, movimientos sobre un fondo musical, el ritmo como apoyo del movimiento; la música debe ser parte del espectáculo de manera real o imaginaria, como si fuera entonada por el personaje en escena.
Su planteamiento rebasaba una simple técnica de entrenamiento actoral, la biomecánica es parte de ese todo; él fortalecía una propuesta teatral por diferentes medios, la escena, talleres, conferencias, artículos, publicaciones, una visión diferente y polémica del arte escénico, que ampliaba los senderos a la exploración teatral de afuera hacia dentro.
Los modos de expresión se dan para Meyerhold en tres fases: La intención - que es la fase intelectual de la tarea, propuesta por el dramaturgo, el director o por el propio actor. La realización - que comprende un ciclo de reflejos miméticos (movimientos y desplazamientos en el espacio) y reflejos vocales. La reacción - que sigue a la realización, que atenúa el reflejo anterior y prepara para una nueva intención, que daría lugar a un nuevo ciclo de interpretación.
La biomecánica pretende formar un actor total, comediante, acróbata, juglar, payaso, bailarín, dueño de una técnica universal basada en un dominio total, con un sentido innato del ritmo y con una economía de movimientos rigurosa, siempre racionales, no espontáneos, sino planificados de antemano para lograr ciertos efectos.
Opinión
Es una técnica muy innovadora “humanamente” en comparación con la de Stanislavski. Utiliza unas técnicas menos duras tanto física como sobre todo mental para el actor. Es un método “creativo” para el actor, ya que le da libertad para interpretar el papel, pero con la premisa de tener que imitar al perfil que el director quiera. Lo que ya le quita tanta libertad para interpretar, y tiene una serie de limitaciones que tiene que cumplir. Entonces el actor no está actuando, está imitando. Por esa razón, no la utilizaría del todo porque a un actor hay que darle libertad para dejarle interpretar a su manera. Al fin de al cabo, Él es el personaje y el personaje es él, lo tiene que hacer suyo. Por esta causa, es una de las razones por la que está técnica es menos realista porque no se siente, se imita.
Cayetano Gómez
2021